home artworks intallations-performance videos biography-exhibitions galery news publication contact

Nasser Soumi


 The Daily Star Lebanon

Ghosts dancing atop the machine

January 22, 2014 12:08 AM (Last updated: January 22, 2014 08:54 PM)

By Jim Quilty

The Daily Star

A+ A-

BEIRUT: Accomplished contemporary art propels you back to first principles. When, 60-odd years ago, John Cage had a pianist sit at a keyboard for four minutes and 33 seconds without striking a chord, it was an invitation to reassess “music.” More recently, flamenco virtuoso Israel Galvan unraveled conventional expectations of that form – stamping without accompaniment, then through cushioning mounds of powder before removing his shoes altogether.

“Watadour” (It turns), the newest creation of choreographer Omar Rajeh and Maqamat Dance Theatre, challenges most assumptions that an innocent public might harbor about the nature of “dance.”

The auditorium of the Masrah al-Madina is virtually black as audience members file in to take their seats. A single spotlight reveals a lone dancer (Bassam Abou Diab) at center stage, lying with his cheek pressed against an elevated, disk-shaped surface. Down stage left, at some remove from this surface, another spot illuminates a second set of apparatus – where the show’s audiovisual elements will be performed.

The auditorium plunges into complete darkness for a moment and the whir of an electric motor issues from the gloom. As the spotlights rise tentatively, Abou Diab remains prone while, several meters above the stage, Mia Habis hangs limp in a harness.

The light increases by increments as the score reverberates from the electric guitar of Sharif Sehnaoui. Sitting faceup on the musician’s lap, it is played (at first) as a percussion instrument, Sehnaoui striking the strings with sticks, leaning on the neck of the thing to bend the notes.

As the score veers closer to melody, Abou Diab stirs. After a few minutes of fish-out-of-water flopping about, he pulls himself haltingly off the floor, struggling to lurching, staggering movement. Having reached his feet, the electric winch lowers Habis’ body to the disk in stages. Abou Diab is able to grasp her by the thighs before the machine yanks her back, then lowers her again. It is a choreography of attraction and retraction played out mechanically, while Habis’ form remains dormant.She rouses herself, and the pair’s movement comes to resemble that of lovers who would lay in embrace. The winches to which they’re harnessed repeatedly yank them apart, as if being manipulated by an omnipotent puppeteer, eventually pulling both off the stage altogether.

The disk-shaped surface that invisibly confines the dancers’ movement also serves as a screen. Upon it are projected the liquid illustrations of Mazen Kerbaj. Transparent bowls of fluid are placed between a light board and a video camera. Kerbaj dribbles ink into the stuff and fiddles with its diffusion to form fleeting abstract images, which the camera projects upon the disk’s surface.

With Abou Diab hanging from the rafters, Habis frees herself from her tether, only to be confronted by the shifting patterns of light and darkness projected on the stage. These seem to present obstacles to her and she dodges, bobs and weaves like a boxer or lone figure trying to move against the current of an invisible mob.

The percussive score, having by now refined itself to a bell-like quality, operates less as accompaniment than a restriction, confining her movement as much as the harness had done earlier. As Kerbaj’s patterns fill the surface ever more elaborately, Habis is forced to move along the edge of the platform, arms raised, as though inching along a building ledge.

“Watadour” had its world premiere last week and will conclude its run with three more performances starting Thursday. This complex and demanding work is a collaboration embracing four quite distinct forms and talents. Complementing Abou Diab and Habis’ interpretations of Rajeh’s choreography, and the performances of improv veterans Kerbaj and Sehnaoui, is the work of Palestinian visual artist Nasser Soumi.

Soumi’s contribution, the disk upon which the dancers labor, revisits the artist’s “Memory of Indigo,” an installation-dance piece staged in the artists’ village of Shilparamam, near the Indian city of Hyderabad, in 2006. In that piece, dancers moved across a disk-shaped surface placed at an oblique angle to the ground.

Here the disk isn’t fixed at an angle. Over the course of the hourlong performance, the circular surface is ever shifting. Parallel to the stage at the start of the piece, by the end it stands at a 90-degree angle. By this point, the dancers resemble urban guerrillas rappelling across the face of the screen, themselves reflecting Kerbaj’s swirling abstractions.

“Watadour” isn’t “The Nutcracker.”

In its program notes, Maqamat has depicted their work as seeking to express in movement the “impossible” obstacles thrown up by a contemporary reality utterly lacking in stability – by implication a stability that earlier generations might have taken for granted.

The premise of the choreography appears to be two figures negotiating the proximity of a duet. Yet any narrative audience members might try to glean from the dancers’ furtive efforts at movement is incessantly assailed and undermined by the piece’s aural, visual and mechanical facets.

As such, the piece stands as an elaborate, metaphor for frustration – the flip side of individual agency, which is conventionally the stuff of artistic expression.

For such an assiduously dissonant work, the several components of “Watadour” gel quite well.

Habitués of the free improv scene may be quite surprised at where Sehnaoui’s approach to his instrument is steered by the score that he himself arranged. Kerbaj’s abstractions provide precisely the illuminating obstructions the choreography requires.

The piece’s mechanized aspect – the electric winches and harnesses working in counterpoint to Soumi’s discreetly moving surface/screen – lends the piece an unexpectedly retro quality. The violent juxtaposition of human fragility with the omnipresent machine is very much a 20th-century obsession, by now superseded by the digitized, ego-fellating virtualities to which “The Matrix” gestured.

“Watadour” tends to penetrate the audience via the brain rather than the heart, yet by the time this performance is done viewers’ hearts may go out to Abou Diab and Habis.

Challenging as this work is to the audience, it is all the more demanding on its dancers. Embodying human agency, yanked and tossed about by machines they cannot control, theirs is an exhausting depiction of frailty.

“Watadour” continues at Masrah al-Madina Thursday-Saturday. For more information, please contact info@maqamat.org or 01-134-3834.

A quest for perpetual space and place

July 27, 2011 01:55 AM By Chirine Lahoud The Daily Star

“Nebula I,” 163x120cm, acrylic and natural pigment on wood. 7/27/2011

BEIRUT: The universe, the bits of it we can see anyway, has long been a metaphor for human awe – both at the greatness of everything else and the insignificance of the individual self.

That may be why the lights in the night sky have proven so inspirational to all manner of artistic production.

Lebanese-Palestinian painter Nasser Soumi uses the universe – more specifically space dust, nebulas and their components – as a means, as he says in his press materials, to understand his “being and comprehend the universe.”

Soumi’s exhibition “Nebula,” nowadays up at Hamra’s Agial Art Gallery, is comprised of 13 wood panels worked with acrylic and natural pigments. Soumi is known for transforming mundane materials into works of art – a 1996 installation of his made use of boxes – and uses that same technique here.

Most of these compositions work with ochre, brown, white and black – perhaps to represent the ground, sky and light – three elements that have traditionally been seen as the elementary building blocks of the universe.

Soumi’s “Renaissance” (220 x 116cm) is a triptych-like work in three panels, one evidently meant to convey the idea of rebirth.

The left and right third of the panel are heaped with various pigments of earth and ash hues, which makes for an oppressive and suffocating effect. The panels are so heavily loaded with paint, it seems as though an intentional effort were being made to prevent the light from reflecting from the colors.

The bright central panel provokes quite the opposite response, conveying an impression of light. You might say the exterior panels give birth to a white-and-silver coated treasure, like sacred doors opening upon and artistic fortune.

In Renaissance art, the technique of the chiaroscuro – from the Italian “chiaro” (light) and “scuro” (dark) – was often used to give a three-dimensional aspect to paintings. Soumi uses that same effect, confronting the darkness of the side panels with the clarity and transparency of the center part.

Depending on the viewer’s taste in films, you might also be inclined to notice that the central panel of “Renaissance” has been painted to create the impression of three dimensions. This makes it more than a little reminiscent of the extraterrestrial monoliths that recur in Stanley Kubrick’s “2001: A Space Odyssey.”

Soumi’s version of the universe is also reflected in the clumping of his media. In “Nebula I” (163x120 cm), he clusters ochre paints and ashes to represent the interstellar mass. The order in which the colors are displaced on the wood panel reflect the varying density of nebulas. Oddly enough, this painting appears as intense as it is diffuse.

The “canvas” is filled with color and natural pigments. If you look closer, though, you see that the colors are diluted, like leaking drops of paint.

Many painters use turpentine to give a diluted and dispatched aspect to the colors of their works. On the uppermost, ochre, part of “Nebula I,” you may notice blotches of lighter shades, emphasizing an impression of gaseous diffusion – a feature which is also common to scientific representations of some types of nebulae.

In these multi-layered works, the impression of change in the works’ colors could be suggestive of changes in a human life. His artwork is a tribute to the perpetual movement of the universe.

Nasser Soumi’s “Nebulas” will be displayed at the Agial Art Gallery, Hamra, until Aug. 20. For more information please call 01-345-213 begin_of_the_skype_highlighting              01-345-213

Nasser Soumi was born in Palestine in 1948. He studied art at the National School of Fine Arts in Damascus, Syria, from1971 to 1977, continuing his studies at the National School of Fine Arts in Paris France, from 1980 to 1982. Soumi is a painter and an installation artist. He transforms a variety of ordinary materials into works of art. His work is an assembling of « eclectic and handmade objects ». His recent paintings exhibited in Agial are made of natural pigments and acrylic on wood panels, and they are part of a series titled « Nebula », a lifetime quest for the self within the greater universe.


The universe is in perpetual movement; it has been guessed and interpreted

by the human being since thousands of years. Science has often revealed the

exact intuition of man as it was the case for the image of the universe.

We are linked to this universe for we are part of it. The astronomer Hubert Reeves once said:

“We are the dust of the universe”.

Driven by my intuition, I express myself through my art in order to understand my being and comprehend the universe.

Nasser Soumi


Nasser Soumi: “Nebula” From 07-July-2011 to 20-August-2011

     “The universe is in perpetual movement; it has been guessed and interpreted by the human being since thousands of years. Science has often revealed the exact intuition of man as it was the case for the image of the universe. read more… We are linked to this universe for we are part of it. The astronomer Hubert Reeves once said: “We are the dust of the universe”. Driven by my intuition, I express myself through my art in order to understand my being and comprehend the universe.

(Nasser Soumi)

Nasser Soumi was born in Palestine in 1948. He studied art at the National School of Fine Arts in Damascus, Syria, from1971 to 1977, continuing his studies at the National School of Fine Arts in Paris France, from 1980 to 1982.

Soumi is a painter and primarily an installation artist. He transforms a variety of ordinary materials into works of art. His work is an assembling of “eclectic and handmade objects”. His use of the different tones of the indigo blue colour evokes the Mediterranean Sea and gives an impression of navigation and nomadic movement towards a faraway land.

He has had a number of personal exhibits, including ones in France, Italy, Poland, Lebanon, Egypt, Jordan, Palestine, the UAE, and India. He also participated in a number of group exhibitions, notably at the Tokyo Museum, the Madrid National Museum, and the Paris Institut du Monde Arabe, in addition to shows in Spain, Portugal, Belgium, Norway, Germany, Austria, Russia, Switzerland, Palestine, Kuwait, Morocco, and Iraq.

'السديم' لناصر السومي في غاليري أجيال: توازنات لونية في فضاء الكون المتشظي
مازن معروف


بيروت ـ القدس العربي من مازن معروف:جمع الفنان ناصر سومي لوحاته في غاليري أجيال تحت اسم 'السديم'. لكن كل لوحة بحد ذاتها لا تقدم إلا تحت عنوان معين. تشتمل الأعمال المعروضة على شيء من التفكيك/ التجريد/ الحروفية اللونية، كما تشتمل على طاقة تطويعية عالية لدى الفنان. في تلك التنظيمات اللونية التي يبسطها سومي على الخشب، توازنات دقيقة حتى أنها تشي بفوضى نهائية في آخر المطاف. وهي قد تبدو مجرد تنظيمات لونية منمنمة ومدرجة ضمن طبقات، إلا أنها في المقابل تشتمل على كينونات صغيرة وبسيطة، وقد لا يكون لأي منها، منفردة، قدر كاف من الأهمية. تبقى المسألة في كيفية إدراجها في تلك الصيغة التجريدية اللعوب. كما أن ذلك يشي أيضا بنية مضمرة لدى الفنان في إحاطة هذه 'الفوضى' اللونية، البولوكية (نسبة إلى جاكسون بولوك) بكادر أنيق، هادئ، معافى من الصخب المبثوث في الألوان. إنها صيغ لونية لا تتدرج، بل تتألف وفقا لجمالية قاعدتها الكثافة والتكثيف كتقنية يُشدَّد عليها. هنا، يحق لنا كمشاهدين للأعمال، أن نطلق مخيلتنا بعيدا عن العنوان الموضوع لكل لوحة، وهذا إن استطعنا بالطبع. فإذ يضع الفنان عنوانا لكل عمل، فإن في ذلك حتمية بأنه يوجه حواسنا وشغفنا باللون لتشكيل مخيلة جماعية متماسكة. ذلك ان الصلة المقامة بين العنوان وكل لوحة على السواء، هي صلة، تتضمن نية الفنان بضبط مخيلة المتلقي والسيطرة عليها، وتسيير هذا المتلقي ضمن مسوغ تخييلي محدد. بالتالي، فإن انفتاح المساحة التشكيلية اللونية أمامنا، لاحتمال مقومي التجريد والتعبير فيها، يعود لينكمش ويتباطأ في مقابله ما يبثه الفنان من رغبة، لتوجيه مسار المخيلة الفردية والتفكر بالعمل، إلى فضاء محدد، معلوم لديه، قصدي، ما يؤتي على بعض الحرية المعطاة للعين أمام الكم اللوني المتناسق أمامها، كما يحد من تشتت طاقة التفاعل بين هذه العين واللوحة.
اللوحة النهائية لدى سومي هي تتابع 'منطقي' لحركة زمنية تتطور وتمضي في ضبط كيانها واستقلاليتها. هي حركة زمنية مقرونة بتعديلات، وإضافات، من خلالها تتم زيادة اللون في اللون الآخر، وبها، يتم شد المناخ المتوتر على السطح. من هذا التوتر، نخلص إلى هدوء منساب بدقة، وألق، وفي أحيان أخرى، يكون هذا الهدوء منزلقا بخفة من تحت ذلك التوتر المنفلش. وهو ما يعزز من كيان كل مساحة على حدة، لأنها تتألق هنا في تناقضاتها. انفلاش اللون، يقابله امتداد عمودي لدينامية متواصلة. وهنا يجتمع عصبان، واحد فكري، وآخر تقني بصري. ما ينسحب على مراوغة للعين، وجذبها إلى داخل العمل، روحه المستترة، وهو تأثير يكون عموديا. خصائص اللوحة التشكيلية الجيومترية، تتمثل في بعدي سطحها: الأفقي البصري، والعمودي التخييلي. وهذان العاملان، يكتملان بوجود بعد ثالث متمم، يقع خارج التقويم النقدي البصري للوحة، وهو ذلك التأثير الذي يوهمنا به الفنان من خلال فرضه عنوانا لكل عمل.
في لوحته 'رقص أسود'، لا يمكن للعين أن تغفل الكتلة السوداء المشتتة الماثلة أمامها. تبدو الكتلة للوهلة الأولى محاولة لتشكيل بدن متآلف في أجزائه، ورغم أنها تبدو مبعثرة، ومتناثرة في كتل صغيرة قريبة من بعضها البعض، غير أنها تقترن في الوقت عينه بمجموعة من الإشارات حواليها. الأسود يتخذ في هذا العمل، مقدارا من الأهمية التشكيلية والجمالية، بحيث ارتباطه بمحيط مطوَّع كذلك، خدمة للكيان الداكن المهيب. هذه العلاقة بين الكتلة - الأساس والكتلة المحيط، نستعرضها هنا كعينة لاستكشاف طريقة عمل الفنان. فالأسود لا يكون متنافرا مع محيطه اولا، ولا يظهر بكيان فاقع، يطوي تحته المحيط ويسخِّره خدمة لوجوده. في ذلك تقليص لاحتمال المتنافرات القاسية في اللوحة، كما وللمسافات بين تدرجات الالوان وأثرها على بعضها البعض. الأساس والخلفية، يطوَّعان إذن، لشد المناخ وجذب جزيئاته اللونية المكونة له. وبدلا من أن يكون هناك تضارب حاد أو تنافر مزعج ومصطنع، يعتمد الفنان المرونة في ضبط الدرجة اللونية لصالح لون آخر ذي طبيعة مختلفة. كذلك، نحصل على تماسك للحدود الفاصلة والمعلنة بين المساحات، والطبقات اللونية على الخشب، وهو ما يعوض بالتالي تناثر اللون ذي الصبغة التجريدية.
قد تكون الدينامية، في مقابل هذا الشد المتعمد في اللوحة، قاسما مشتركا كذلك لا يمكن إشاحة العين عنه. فالألوان، تتخذ شكلا ماديا، دراميا في بعض الأحيان، مستقلا، بالاعتماد على حركة الريشة أو سكين الرسم واتجاهه. والحركة هنا، تفضي إلى ضرورة إيجاد متتالية زمنية لا تتوقف. أي إيجاد صيرورة وسبب وحياة. فإخراج اللوحة من الجمود اللوني/ الركود التشكيلي، إلى فضاء مرن، لا يتم باستبعاد هذا الجمود بشكل نهائي، وإنما استثماره تلوا. فهو جمود كأرضية، يؤسس لحركة، وهو إذ لا ينفصل عن لعبة اللون ومرونته في مرحلة لاحقة، يصبح جمودا ضروريا كخلفية بعيدة جدا، ما يعزز فكرة الزمن والتتابع والتأثر والتأثير، وبالتالي دينامية وحياة بين أجزاء العمل. لا يعود ممكنا الاتكال فقط على مرونة اللون وخفته ومقدار توتره أو سلامه، لقراءة اللوحة. فالدينامية لا تتحقق إلا بوجود محيط مناقض يؤجج من كيانها، والعكس بالعكس. نلتفت كذلك إلى التناسق اللوني الدقيق، المُرتَّب كمحصلة لكل لوحة، كما ودراسة المسحات المفترض إملاؤها باللون. وهو مقوم جمالي أيضا، يرابط للمشاهد ويدفعه للدخول في مناخ السطح. لكنه كذلك، يتضمن احتمالات بإيجاد أبعاد خارج سياق عنوان كل لوحة بنفسها. ما يوجد نوعا من التضارب بين تأويل المشاهد الخاص، وأحادية الصورة أو المعنى الذي أراده الفنان. هذا جزء من طريقة سومي في التلاعب المتضادات. فهناك سيطرة للضوة والظل والبياض والاحمرار والسواد. ويمكن القول أن الفراغات المبيَّنة في اللوحة، الفراغات التي تشتمل على بياض، تضمن للفنان فرصة إفراغ إيقاعاته اللونية ومركباته المخبرية السحرية على الخشب. ما يضيف أحيانا بهجة مقلقة إلى غموض واضح وهي بهجة تظل موضع تساؤل رغم يقيننا بوجودها. في 'عمق أبيض' و'عروس غامضة'، تتجلى أكثر لعبة الكتلة والمحيط، بحيث تجزأ اللوحة إلى قسمين كلاسيكيين، ويبدو البعد التعبيري أكثر وضوحا، لا كمجرد إضافة، بل ككيان خالص. لا يعود بالإمكان هنا نسب اللوحة حصرا إلى التجريد، بل نستشعر انحراف المقوم التجريدي باتجاه التعبير.  

ناصر السومي في "غاليري أجيال"

أعماله السديمية تعد بحياة لأجيال آتية

انها المرة الاولى اشاهد 17 عملا للفنان الفلسطيني ناصر السومي في "غاليري اجيال"، شارع عبد العزيز، الحمرا. سبق وسمعنا الكثير عن هذا الفنان الذي ولد في فلسطين وترعرع في لبنان وهاجر عام 1979 ليستقر في باريس. رسم وابتكر العشرات من التجهيزات وقام بدراسة معمقة عن امور حياتية مثل زيت الزيتون وغيره، ويقدم معرضه، الذي يستمر الى 23 تموز، هذه الاعمال تحت عنوان جامع هو "سديم".
تتمحور لوحاته المختارة حول فكرة الخروج من العدم والارتفاع الى درجات الحياة الفضائية او البحرية او البكتيريولوجية الخ. كأننا امام سلسلة من الاكتشافات الارضية، فيها سلسلة متلاحقة من الاشارات الكروية، قد تكون مخلوقات او نباتات او حصى في ضيافة مساحات مبهمة الحدود، لكن فيها شبه حياة واعدة لأجيال اتية. هذه الاكوان، المتوافرة بالالاف وذات الاحجام المتنافرة احيانا، وذات الالوان المتناسقة احيانا اخرى، تروي عن مساحات جغرافية مبهمة الوقع وغير مؤهلة على ما يبدو لتدب فيها حياة لمخلوقات بشرية او حيوانية او نباتية. كرويات تتدحرج نحو هوة ما، او خطوط مختصرة ينفصل بعضها عن البعض، ولا تتواصل سوى في الاحتمالات الافتراضية، والانهيار في حركة تنازلية تستمر حتى الولوج في هوة تلاقي منطقيا نقاط تقارب ولكن خارج المرئي في اللوحات. في احد الاعمال، "الرقصة السوداء"، تبدو الخطوط المتلاحقة عموديا والهابطة بإيقاعات سريعة ومتماسكة، كأنها شلالات تتوزع فيها الاشارات كالرذاذ اللماع. ذات صبغات شبة معتمة، فيها تنقيطات مستورة احيانا وباهتة قليلا في احيان اخرى.
الحياة ليست تلك التي نعرفها او نتصورها في الفضاء. غريب هو عالم ناصر السومي. فيه بدايات معلقة بالسديم لا نهايات لها ولا تحولات ولا ارتباطات من الممكن ان تدلنا الى حلول او توقعات قد تحدث كالمعجزات، او قد تصلنا بخيط رفيع له اتصالات خفية. لا خيط ننهي معه تصوراتنا وتمنياتنا لنغلق القضايا والامور وننفذ الى نهاية تمكننا من التوقف والتنفس طويلا قبل ان نسترسل من جديد للغوص في سراديب ضيقة، عمودية او افقية او مواربةً او من خلال التعاريج. نعرف اننا سجناء المناخ الذي يفلش امامنا امكاناته واسراره وفخاخه من دون ان يعيرنا اهمية لأنه يدور في فلكه الخاص، وليس لنا فسحة جغرافية او فضائية يمكننا الانتظار فيها، عل القدر يفتح امامنا طريق الخلاص. اجد الكثير من الغموض والسواد في الاعمال الـ17 مع ان بعض اسمائها يوحي بالامل مثل "العودة الى الحياة" او "الضوء الاول" وغيرها. ننتقل الى انفجارات وشظايا وتفكك وتلاحم في اعمال اخرى، ولا يسعنا اختيار اي توجهات تعجبنا. نقف امام كل واحدة، نسألها ولا ننتظر اجوبة. نخرج بشيء من الارتباك. لكن لا تختفي من ذهننا الكرويات المتفجرة حتى علو السماء.

لور غريب   

ناصر السومي يستشف جمال الأجرام السماوية والنجوم

المصدر: البيان

 بيروت ــ وفاء عواد

التاريخ: 14 يوليو 2011


تحت عنوان «سديم»، يقدم الفنان الفلسطيني ناصر السومي 17 لوحة متفاوتة الأحجام ومنفّذة بالإكليريك على الخشب، تستعيد قصة نشوء النجوم، من تكتل الغازات والكتل المادية والغبار، في معرض يقيمه حالياً في غاليري أجيال (الحمرا، بيروت) ويستمرّ حتى 23 من الجاري.

ففي تجربة تجريديّة استبطانية تفيض بالإشارات والرموز، وتستخلص من المحسوس حيناً ومن اللامرئي حيناً آخر مادة يضاهي ويضارع بها الفنان حقيقة الأشياء، وفق منظاره وما أراد، يضمّ المعرض أعمالاً كبيرة وصغيرة، تبدو الصغيرة منها كما لو أنها مشاهد طبيعية وقد اختزِلت بلونين متقاربين من حيث الكثافة، في حين تبدو الأعمال الكبيرة كما لو أنها فضاء شاســـع تسبح فيه كائنات صغيرة وتجعله معتماً.

هي اللوحة لدى السومي مدوّنة تشكيليّة، لا توجد فيها مساحات حرّة ولا فراغات، وهي ذات سطح لوني تنقل الى الرائي رغبة دفينة تعتمل في ذهن الفنان وخاطره، غير توجيهية أو استباقية أو نصيّة أو خطابية، بل تتشكّل كمسرح للخوض والتحدّي والتمازج والغوص والانفلات وتعدّد القراءات والتأويلات.

وهو «سدي» السومي، المتشكّل من أجرام سماوية ذات مظهر منتشر غير منتظم، ومن غاز متخلخل من الهيدروجين والهيليوم والغبار الكوني، رغب الفنان من خلاله بالانطلاق الى الفضاء برحابته كي يضع المشاهد أمام حالتين إشكاليتين، إذ يقترن التشظّي والعشوائية المطلقان بالتناغم والتنظيم اللامتناهيين في استحضار خفايا النفس البشرية التي يجتمع داخلها الصنوان، فطغت على معظم لوحاته الألوان الباردة في توأمة ما بين الكون وحركته ضمن غنائية جذابة، واشتعال للأحاسيس في النفس البشرية، فكلا الأمرين حاضر في لوحاته في تمظهر وثاب وحركيّة بالغة وانسجام آسر.

الى ذلك، تتمحور لوحاته المختارة حول فكرة الخروج من العدم والارتفاع الى درجات الحياة الفضائية أو البحرية أو البكتيريولوجية، وكأننا أمام سلسلة من الاكتشافات الأرضية، فيها سلسلة متلاحقة من الإشارات الكروية، قد تكون مخلوقات أو نباتات أو حصى في ضيافة مساحات مبهمة الحدود، لكن فيها شبه حياة واعدة لأجيال آتية.. وهذه الأكوان، المتوافرة بالآلاف وذات الأحجام المتنافرة أحياناً، وذات الألوان المتناسقة أحياناً أخرى، تروي عن مساحات جغرافية مبهمة الوقع وغير مؤهّلة على ما يبدو لتدبّ فيها حياة لمخلوقات بشرية أو حيوانية أو نباتية.. كرويّات تتدحرج نحو هوّة ما، أو خطوط مختصرة ينفصل بعضها عن البعض.